La guerra como constante en la narrativa Histórica del cine estadounidense

        Hay quienes dicen que por más y mejores esfuerzos que se hagan la ficción nunca podrá superar a la realidad. Lo digo en relación a los hechos verídicos e históricos que han sido adaptados para algún tipo de representación, ya sea en teatro, cine o televisión. Aunque también existen las incorporaciones fallidas de obras literarias, lo cual representaría un raro caso de ficción no superada por la misma ficción.

Todo punto de vista en cuanto al manejo de hechos reales o imaginarios en su traslación a un medio masivo esta supeditado a los intereses de quienes  conducen la obra que les da vida. En el caso particular del cine, el interés sería de parte –principalmente- de los productores y el director, un poco más de los primeros.

El presente ensayo se enfoca al tema de la guerra, recurso muy utilizado por los Estados Unidos en su cinematografía. Muchas son las cintas realizadas sobre el asunto, entre las que podemos encontrar aquellas que se dedican a realzar el patriotismo o la añoranza de lo que no fue como en First Blood (1982) (donde Silvester Stallone gana la guerra de Vietnam solo) o The Birth of a Nation (1915) (orgulloso relato sobre el despertar del espíritu gringo, ubicada en la Guerra Civil nortemaericana). También están las que sin menospreciar el hecho histórico recreado asumen una postura crítica, como ejemplo de lo anterior tenemos las cintas sobre Vietnam, Full Metal Jacket (Kubrick, 1987), Platoon (Stone, 1986) y Apocalypse Now (Coppola, 1979). Otros casos son los de los filmes Unconquered (1947) (Independencia), la ultra nacionalista El Álamo (2004) (independencia de Texas) o Gone With The Wind (1939) (historia romántica durante la guerra de secesión, muy bien ambientada), entre muchas otras.

Mi análisis se concentrará en cinco films, buscando enfocar de manera más concreta el tratamiento que se le ha dado a los sucesos de la guerra en la historia de Estados Unidos.

LA GUERRA CIVIL

Entre los habitantes del pueblo norteamericano siempre han existido las “rivalidades” por la pertenencia a distintas latitudes del país: los del sur vs. Los norteños y el East Coast vs. el West Coast, principalmente. Sin dejar de lado el problema de la discriminación y la “estereotipación” –por llamarle de cierta manera- racial. Existe un antecedente muy notable de todo esto, el cual describiré a continuación.

La mayoría de los filmes realizados sobre el periodo que abarca de los siglos XVII al XX han sido inspirados por la Guerra Civil o de Secesión, misma que duró de 1861 a 1865. La contienda en que los habitantes del norte enfrentaron a los del sur con el objetivo de abolir la esclavitud. La propuesta anti-esclavista fue apoyada entre otros por el entonces presidente Abraham Lincoln.

Aquel suceso quedó marcado como un icono de la cultura estadounidense, y es un referente obligado para entender su idiosincrasia. La guerra civil representa una especie de orgullo para muchos norteamericanos, es el evento que si bien estableció diferencias entre ellos mismos, es innegable que sirvió para que el resto del mundo percibiera en su justa dimensión lo que en ese momento y a partir de entonces representaba Estados Unidos: una nación independiente y poderosa, una nación nueva y unificada por el sistema que finalmente impusieron los del norte. Dicho sistema, que contenía diversas y contrastantes vertientes de pensamiento, como el respeto a la libertad del hombre y su dignidad humana tras la cancelación del esclavismo y al mismo tiempo la cada vez más severa forma de castigar los delitos que culminó años después en la instauración de la pena de muerte. Otras herencias de los puritanos que no se pudieron quitar: la intolerancia religiosa, la xenofobia, el miedo a los ataques externos en que el pueblo se encuentra sumido por estrategia gubernamental, el imperialismo, la tradición del pueblo elegido que debe ser el modelo a seguir por el resto del planeta,  entre muchas otras cosas.

Una de las posturas más comunes en estas adaptaciones cinematográficas es la nacionalista, la cual fue adoptada por varias cintas como las que a continuación se citan.

Título: The Birth of a Nation

País/Año: USA/1915

Guión: D. W. Griffith, sobre la novela “The Clansman” de Thomas Dixon

Director: David Wark Griffith

Primera película que sirvió como termómetro del nacionalismo gringo, tuvo bastante éxito y fue la primera cinta en ser exhibida en la Casa Blanca. El entonces presidente Woodrow Wilson llegó a exclamar: “es como escribir la historia con luz” (1). La trama se ubica en tiempos de la guerra civil desde el punto de vista de un grupo de negros esclavos perseguidos por el Ku Klux Klan*. La novela causó polémica en su momento porque “demostró que la guerra civil fue hecha para defender a la civilización de los bárbaros y las bestias” (2). Fue hecha con la intención de ser aprobada y valorada por el gobierno.

En ambos relatos –la novela y el filme- los rebeldes negros quedaban muy mal parados, pues eran acusados de cometer violaciones y saqueos que en realidad habrían sido ejecutados por miembros del KKK, mismos que jugaron un papel muy importante, según Everett Carter, en la victoria final del ejército del norte.

El filme muestra el sistema feudal agrario en el sur que en esa época eransinónimo de esplendor tanto para el “rico, ocioso, amable y aristocrático patrón”como para el “leal, feliz y obediente esclavo” (3). Dicha aseveración provocó incluso el surgimiento de libros que discutían el tema como The Southern Plantation (1924) de F. P. Gaines y The Peculiar Institution (1956) de Kenneth Stamp. El choque entre el frío, pragmático e industrializado norte contrapuesto al cálido, agrario y rural sur es evidente en esta producción.

Birth of a Nation

Birth of a Nation

Recalcando que films como el anterior son constantes en la industria estadounidense (con una interpretación muy particular del hecho histórico), ya que constituyen una especie de aliciente, combustible que les impulsa a intentar y (creerse) el país más poderoso del mundo no nada más en lo económico, sino en lo social e histórico.

Según la perspectiva del francés Georges Sadoul, el filme resulta tendencioso: “Nacimiento de Una Nación manifiesta un racismo violento que deja muy atrás el de la novela de éxito Gone With The Wind. Los negros son pintados en ella como esclavos o criminales estúpidos acosados por la obsesión del robo, de la violación y del asesinato… El Klan es representado como el ejército heroico de los norteamericanos honrados…” (4).

Aún así el autor defiende la postura de Griffith, quien perteneció a una familia empobrecida tras la Guerra Civil. Lo cataloga de idealista y progresista, fiel ejemplo de la democracia de su propio país en aquel momento; tomando en cuenta que estaba en contra del modelo industrial del norte y a favor del tantas veces descrito esclavismo del sur.

La polémica se extendió a los países hispanoamericanos donde en los años de lucha por la emancipación se tomó en parte el modelo de la Revolución Francesa. No obstante la cinta rompió todos los records hasta entonces establecidos, y se podría decir que forjó de varias formas el estilo de Hollywood: producción cinematográfica y negocio en conjunto.

La cinta fue censurada en Francia durante siete años, al considerársele “violentamente racista” (5) e ignorando el contexto histórico de la fecha de estreno del filme. “El 8 de febrero de 1915, fue el primer día del reinado universal de Hollywood y, al menos por algunos años de su supremacía artística” (6). Después de Birth of a Nation nada volvió a ser igual para la industria fílmica estadounidense.

No dejo de pensar en cuán diferente sería la visión de un director o productor negro sobre el momento vivido por los esclavos en la Guerra de Secesión, pues al igual que en los primeros años de independencia en los que el derecho al voto fue otorgado únicamente a la población anglosajona –y solo a los varones-, las oportunidades de hacer cine o participar creativamente en él estuvieron abiertas solo a la raza blanca, y como en el caso del filme de Griffith, los negros no tuvieron ni voz ni voto.

Brincando un poco de etapa, existen las cintas ubicadas en el periodo colonial, siendo una de las destacadas la llamada, “Los Inconquistables” realizada a mediados del siglo 20.

Título: Unconquered

País/Año: USA/1947

Guión: Charles Bennet, Fredric M. Frank y Jesse Lasky. Basado en la novela The Judas Tree de Neil H. Swanson.

Director: Cecil B. de Mile

Se localiza en la etapa de las trece colonias alrededor de 1763. Centra su relato en la lucha de los indios Pontiac en el área de Ohio contra los ingleses. Abigail, el personaje principal es una mujer británica refugiada en los EUA que busca ser librada de una acusación infundada sirviendo como esclava en Norteamérica.

En palabras del autor: “(El filme) describe de algún modo cierta sociedadestadounidense antes de la independencia…” (7). A decir de críticos como Fernando Alonso Barahona, la cinta es un reflejo de los inicios de la emancipación Yankee, “es un emocionado himno a los pioneros y colonos que arrancaron aquellas tierras para la civilización…” (8) (nótese el discurso con referencia al lema “derecho divino a ocupar la tierra”).

El título –Los Inconquistables- se justifica mediante una equiparación entre la postura que las dos culturas (inglesa y aborigen) tomaron con respecto al enfrentamiento bélico y político, pues ambos eran inconquistables pero solo los anglos permanecieron inconquistados.

De nuevo la guerra civil…

Título: Gone With The Wind

País/Año: USA/1939

Guión: Sidney Howard, sobre la novela homónima de Margaret Mitchell.

Director: Victor Fleming

Filme situado en el sur (Georgia) poco antes de la Guerra Civil. Aunque la historia principal sea una premisa de corte romántico/amoroso entre los personajes principales, eso no le resta méritos como uno de los filmes más descriptivos sobre la guerra de secesión. Fue además parte aguas en la cinematografía mundial al ser la primeracinta de largometraje en color, llevarse 8 premios Oscar (uno de ellos para una actriz negra) y por su tono melodramático agridulce que logró atraer la atención del espectador hacia la crónica de un evento crucial para los EUA.

El historiador uruguayo Homero Alsini Thevenet puntualizó: “Lo que el Viento se Llevó ha terminado por ser el film más representativo de la guerra de Secesión… su cuadro social es la vieja plantación, la sociedad clasista, los negros… la guerra no aparece en las imágenes pero sus repercusiones son un factor permanente en la evolución (de la trama)… la alusión envolvente a un marco de época y sitio…” (9).

Como bien lo señala Alsini, el tema del conflicto norte-sur es presentado como escenario donde se desarrolla el relato de Gone With The Wind, se advierten las consecuencias que sufren los personajes con la guerra y el cómo se van adaptando a ellas.gone_with_wind

Una más de Sadoul: “Este Technicolor fastuoso que cuenta la guerra de secesión con espíritu surista (sic)… sus mejores escenas mostraron los horrores y las devastaciones de la guerra” (10). El autor francés indica además el año de 1939 como un punto climático en la historia del cine hollywoodense, el tiempo de su consolidación absoluta.

La cinta es considerada por muchos como la mejor de todos los tiempos, en parte por su excelsa fotografía (para la época), los diálogos, el final inesperado (el personaje de Clark Gable despreciando a Scarlett), las estupendas actuaciones y la magnífica dirección de Victor Fleming, quien realizó también ese mismo año The Wizard of Oz. Si no la mejor, si es un buen ejemplo de cómo se debe llevar a cabo un filme de tipo histórico.

La premier se llevó a cabo el 15 de diciembre de 1939 en Atlanta, Georgia (¿estrategia comercial o mera coincidencia?) y fue acusada por algunos críticos de “promover los valores del sur prebélico, en particular su enfoque de la esclavitud…” (11). Un ejemplo de esto es el personaje de Mammy, interpretado por la actriz Hattie McDaniel, el cual es presentado como el “arquetipo del esclavo feliz” (12), en una especie de justificante de su condición de esclava.

Racismo ¿de verdad?

Pude detectar elementos destacados luego de revisar la película con mayor atención que en la ocasión anterior que la vi; además de los consabidos aspectos de tipo técnico y cinematográfico a los que referí líneas atrás, me fue posible localizar los de tipo político-social. Casi al iniciar el filme hay una escena en donde los personajes discuten sobre la conveniencia de la guerra entre esclavistas y antiesclavistas. Dos de ellos (posibles pretendientes de Scarlett O’ Hara, la protagonista y simpatizantes del KKK) se muestran a favor de la batalla alegando que era “hora de darles una lección a los yankees” (rótulo con el que se referían los sureños a los del norte), mientras que Scarlett opina todo lo contrario y más adelante menciona que los del norte deberían de dejar que las cosas siguieran su curso y así nadie saldría perjudicado.

Volviendo a la posición de los esclavos, no obstante que en la película son presentados como nobles y leales –son parte importante en la reconstrucción de Tara, el rancho de la familia O’ Hara-, aun a pesar de recibir insultos y golpes por parte de sus amos, hay una escena que llama la atención. Uno de los dos esclavos hombres se encuentra a punto de atrapar un pavo para el platillo principal de la cena de Acción de Gracias y exclama algo como lo siguiente: “vamos pavo, tengo que matarte para que los blancos puedan comer y yo no tenga problemas”. Lo anterior dicho con cierto desgano y apatía, lo cual me lleva a pensar que los negros en casa de los O’ Hara no eran tan felices como la producción intentaba mostrarlos.

Hay en el filme varios señalamientos despectivos, por ejemplo, a los negros les llamaban regularmente darkies. Apunto que aunque la trama se desarrolla en un territorio de esclavos, estos no aparecen tanto en la historia. A los confederados les decían yankees y se les tomaba por salvajes e impertinentes, sin la decencia y los modales característicos de la gente del sur.

Según lo que averigüé, la novela original de Margaret Mitchell contenía elementos aún más racistas que el film. En la escena donde Scarlett es atacada cerca de Shantytown, Atlanta, “en la novela el atacante de Scarlett era negro –y fue rescatada por sus amigos miembros del KKK- en la cinta es blanco y no se menciona al Klan. El que finalmente le salvó la vida fue Big Sam” (13), su fiel esclavo negro.

Los Personajes Principales

Rhett Butler (papel interpretado por Clark Gable): este hombre se lleva la cinta en cuanto a actuación y a su personaje parece no importarle demasiado la situación que narra el filme (la guerra de secesión y la difícil restauración sureña, aunque cabe aclarar que si mostró interés en ayudar a Scarlett a levantar de nuevo Tara), pues su postura ante la misma es de algún modo pasiva, no obstante su participación en la lucha armada con el grado de capitán del ejército sudista.

Scarlett O’ Hara (interpretada por Vivian Leigh): la heroína de Gone With The Wind es una mujer engreída, arrogante, coqueta y hasta cierto punto autosuficiente. Vive enamorada de Ashley Wilkes (Leslie Howard), quien se casa con la hermana de Scarlett, Suellen.

En este personaje se ve reflejado el alcance de las consecuencias de la guerra de manera global y la reacción de los estadounidenses, particularmente los sureños. Al principio de la historia se muestra renuente a la idea de que los norteños osaran combatir a su contraparte sureña y aun más a la posibilidad de que el problema pudiese afectarle a ella y a su familia de manera directa. Más tarde, cuando la gresca es evidente e inevitable, adquiere una postura defensiva y agresiva que le vuelve capaz de hacer cualquier cosa por proteger su patrimonio.

A lo largo de la trama se casa en tres ocasiones (las tres por conveniencia y durante el periodo que duró la hostilidad), siempre con la esperanza de olvidarse de Ashley y conservar su status elevado. Su último marido es Rhett Butler –que por cierto se mantuvo leal siempre- y es con este con quien decide enderezar su vida, una vez que logra el estado de felicidad que por derecho “divino y ancestral” le correspondía. Al final, y después de ser rechazada por Butler, se levanta y dice: “…al fin y al cabo mañana será otro día”, en una actitud que pone de manifiesto el carácter ufano del típico ciudadano estadounidense.

Título: IL Buono, IL Bruto, IL Cattivo

País/Año: Italia-España/1966

Guión: Age, Furio Scarpelli y Luciano Vincenzoni.

Director: Sergio Leone

Esta cinta de tipo satírico perteneciente al género conocido como Spaghetti Western+, trata de las peripecias que pasan tres hombres (El Bueno, interpretado por un excelso Clint Eastwood; El Malo, personificado por Lee Van Cleef; y El Feo, realizado por Eli Wallach) en la búsqueda de un tesoro enterrado bajo una tumba sin inscripción. Dos de ellos –el bueno y el feo- son tomados como prisioneros por el malo, quién les comunica acerca de la existencia de la cantidad de doscientos mil dólares enterrados.

Tanto los personajes de Eastwood y Wallach logran escapar y van en busca del dinero. Antes de que eso suceda se enlistan en el ejército de los estados confederados para lograr aproximarse al lugar donde esta el tesoro enterrado. Cuando llegan a su destino desertan de la brigada norteña y se topan entre sí los tres cowboys, iniciando la lucha por obtener la plata.

The West is The Best

El filme es más que nada de aventura, pero alude el periodo de la guerra civil como escenario histórico para el desarrollo de la trama. En la cinta no se somete a juicio riguroso las razones del conflicto –a diferencia de Gone With The Wind-, simplemente se juega con el hecho. El director retrata de manera precisa el estereotipo de Cowboy norteamericano del siglo XIX: hombre duro e insensible que podía o no ser un criminal, según su circunstancia individual; y que además representa la valía de todo un país desde esa época. La visión que ellos mismos tenían (desde entonces) de su “grandeza” y aura de nación “indestructible” y próspera, con ligeros tropiezos claro está; el hecho de tener una disputa entre dos latitudes del país con miras a imponer una ideología es un ejemplo de ello.

El impacto de este tipo de películas fue muy grande y pusieron a Italia en el escaparate de la industria al crear un nuevo género cinematográfico, aunque fuese adaptando uno ya existente pero dándole su enfoque particular. El crítico italiano Goffredo Fofi ofrece una descripción del Spaghetti Western: “El fenómeno más impresionante de pobreza cultural artesanal y mental está representado por elwestern a la italiana. Los westerns venidos después de Leone y Tessari (directores) son simplemente mierda, una invasión de balaceras y torturas, un muestrario de sadismo grosero y gratuito. El western italiano se caracteriza por el plagio más desvergonzado, más deformante, en un delirio de violencia nauseabunda.” (14).

La cita anterior da para pensar en la doble intención detrás de las producciones western, por una parte se podría pensar que celebran el estilo norteamericano y le añaden y exageran detalles o simplemente trataban de ubicar en su justa dimensión los hechos representados y poner en evidencia un estilo de vida que les parecía ajeno y decadente.

The Good, the Bad and the Ugly

The Good, the Bad and the Ugly

El filme se encarga aunque sin aparente interés, no solo de ubicar el andar de los tres personajes en medio de una guerra civil, sino además toma una postura de denuncia sobre la moral y los principios de los confederados. Pone en evidencia (recordando que en este caso es un director italiano quien ofrece su perspectiva del asunto, por lo tanto es solo un ángulo el que se presenta) la supuesta crueldad del ejército azul: El Malo castigando a los miembros de su ejército que cometían faltas o el mismo revelándose ante su superior, quien se encarga de advertirle que las cosas no se deben manejar de ese modo. No obstante que el objetivo sea saber quien de los tres se queda con el botín, el breve tratamiento que se le da al proceso histórico situado en los Estados Unidos es digno de tomarse en cuenta. Como dato adicional, la cinta fue rodada por completo en España y se convirtió en punto y aparte de la cinematografía internacional. A partir de esta cinta y de las anteriores de Sergio Leone, por cierto, también con Clint Eastwood, tituladas Per un Pugno di Dollari (1964) (Por un Puñado de Dólares) y Per Qualche Dollaro in Più (1965) (Por unos Cuantos Dólares Más), creció aun más el Western, género fílmico híper apreciado por los gringos aun en la actualidad. Lo que muchos fanáticos de este tipo de obras pasan por alto es que al contrario de reafirmar una idiosincrasia sin par que ellos creen tener, es una burla, una sátira específicamente orientada a, valga la redundancia, ridiculizar esa actitud del típico norteamericano. Al realizar el estilo los directores norteamericanos (Eastwood es el icono por excelencia del Western), lo hacían con un tono de solemnidad que resulta por demás absurdo, no hizo jamás, pero que sin embargo fue malinterpretado por el público norteamericano: un canto alegórico y grandilocuente del Greatest Country in The World hacia si mismo y con la intención de proyectar su supremacía al resto del mundo mediante la ficción y la fantasía.  

Título: Platoon

País/Año: USA/1986

Guión: Oliver Stone

Director: Oliver Stone

Primero lo primero: maravilla de filme. Excelente dirección, actuaciones estupendas, gran fotografía, buena ambientación, magnífico guión, tratamiento histórico correcto, escenas de acción bien elaboradas e intensidad dramática. La trama se ubica en la guerra de Vietnam, a la que el director y guionista Oliver Stone fue llamado a servir. Fue su experiencia en esa etapa de clímax de la Guerra Fría entre los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas la que lo inspiró a realizar Platoon.

Dicha guerra comenzó en la década de 1920 cuando EU era ya una potencia económica mundial, en parte por su participación en la Primera Guerra Mundial. La URSS había alcanzado también ese nivel tras el triunfo del socialismo* de la mano de Vladimir Ilich Ulianov Lenin, quien en 1917 dio un golpe de estado e inició la aventura comunista en la entonces Rusia zarista. Para lograr lo anterior tuvieron que transcurrir más de diez años de planeación y organización de una buena parte del pueblo ruso. Rusia fue el primer país en poner en práctica el modelo marxista, la causa de la intervención yankee en Vietnam era por su reciente alianza con la URSS, a la cual se habían agregado ya otras entidades como China y Corea.

Chris, interpretado por Charlie Sheen es un joven de buena posición económica que se enlista voluntariamente en el ejército estadounidense solo para ayudar a su patria en tierras asiáticas. Al llegar tiene problemas para adaptarse y mayores dificultades aun para ser aceptado. Una vez integrado se da cuenta que las cosas no son como se las imaginaba.

platoon-15

Platoon

En la cinta aparecen escenas que muestran a los soldados cometiendo actos de suma crueldad. El pelotón comandado por el sargento Barnes (Tom Berenger) llega a una aldea y comienza el interrogatorio a los habitantes del lugar bajo la excusa de encontrar integrantes y/o simpatizantes del Vietcong (15), matan a cachazos a un hombre, violan a una niña de 8 años, asesinan a una madre frente a su familia y torturan verbal y físicamente a un campesino. Hay un enfrentamiento entre los dos bandos del pelotón por el exceso de violencia ocurrido; el Sargento Elias (William Dafoe) y Chris defienden la dignidad de los vietnamitas, al contrario de Bunny (Kevin Dillon) y los demás hombres de Barnes, quienes actúan sin miramientos de ningún tipo. Aun así llegan al acuerdo de quemar la aldea, incluyendo la cosecha y las pertenencias de la gente.

Esta película, a diferencia de las anteriores de las que he hecho mención en este ensayo, es la primera que refiere una narrativa de una persona que vivió el drama de la guerra en carne propia y por lo tanto es de suponerse que la adaptación al cinematógrafo no será precisamente con la intención de enaltecer el conflicto armado y ensalzar al gobierno norteamericano.

No se piense que por ese hecho el director hizo lo contrario, es decir, ponerse del lado de los comunistas soviéticos, de hecho no se juzga de manera directa la razón de la guerra, en cambio si se muestra el cuestionamiento que el soldado Chris, se hace sobre los motivos por los que él está peleando, por qué se encontraba en Vietnam.

El análisis que Stone realiza y que es imposible no detectar es el de la calidad moral de los jóvenes reclutas y sus superiores. Ellos, en su mayoría, parecían ser fieles representantes del sistema militar estadounidense y predicadores del discurso libertario que a su vez les servía de escudo para realizar bajezas impunemente.

Chris se encarga de mostrarnos la otra cara de la moneda: la del ciudadano entusiasta (en  principio) que en su calidad de miembro del ejército tiene el chance de verificar personalmente la fría y auténtica situación de Vietnam, tanto del lado de los invasores como de los invadidos, una guerra por demás dañina y turbia que no logró más que ensuciar más el nombre de Estados Unidos, además de retrasar varios años la resolución del antagonismo con la URSS.

El filme fue reconocido por mucha gente –críticos y público aficionado- como el más realista que sobre el tema se había realizado hasta entonces, lo que elevó su popularidad, la cual lo mantiene en la actualidad como la historia bélica más famosa que haya sido llevada a la pantalla grande.

Concluzione

La utilización de un medio tan poderoso como el cine permite a los creadores no nada más tener la oportunidad de relatar una historia, sino que si cuentan con las habilidades suficientes –tanto fílmicas como mercadológicas- pueden llegar a convencer al espectador de que su punto de vista es el correcto y les evita la fatiga de conocer el hecho (histórico, en este caso) a través de –Verbi gratia– los libros y formarse así su propio juicio.

Es fascinante ver como una película transmite la información de un suceso vital para la historia -la guerra es un evento que modifica y replantea la estructura de las sociedades involucradas en ella- y el poder que los encargados de la producción de la misma adquieren de moldear el suceso y sus repercusiones de acuerdo a una inclinación propia, lo que al final resulta ser a lo que menos presta atención la persona que observa el filme. Una buena ambientación, música adecuada, protagonistas simpáticos, etc. y el trasfondo de la narrativa pasa a segundo plano. Tal vez la crítica se encargue de detectar la concordancia del acontecimiento original con el ficticio, pero no hay que alarmarse por ello, la parafernalia y los medios masivos le darán la razón a los realizadores al final del día, pues ellos se han encargado de erradicar del vocabulario del pueblo las palabras criterio y  razonamiento.

No quiero dejar pasar la oportunidad de que en el caso de las cintas analizadas en este ensayo se pueden localizar las diversas formas de abordar el tema bélico. Por ejemplo en The Birth of a Nation, que pareciera haber sido rodada por auténticos miembros del KKK y puritanos de hueso colorado. Por el contrario en Gone With The Wind se incluye una especie de racismo moderado y muestra la vulnerabilidad de los personajes después de los embates de una contienda que no alcanzan a comprender del todo, pero que sin duda les brinda una poderosa lección de cómo serían las cosas de allí en adelante para su patria recién unificada.

En el caso de Platoon se muestra la postura anti-bélica del director, quien estuvo presente en los acontecimientos narrados y si bien su relato expone lo sucedido de modo dramático y conmovedor, nos acerca bastante a lo que significó Vietnam para los jóvenes que sirvieron en el ejército norteamericano durante aquella afrenta.

La historia contada a través del cine sea quizás cuestionable, pero para los Estados Unidos y su industria representa primordialmente el filtro con el que preservan su estilo de vida y un conducto para que el pueblo corrobore las raíces y el por qué del mencionado orden que atesoran. Una celebración, un espejo que no les debe mentir, una hermosa utopía.

______________

(1) Peter C. Rollins/Hollywood as Historian/The University Press of Kentucky/Lexington, 1998/p. 9.

(2) Ídem, p. 11.

(3) Ídem, p. 12.

* Sociedad secreta dedicada a los ataques terroristas contra las minorías raciales en EU.

(4) Georges Sadoul/Historia del Cine Mundial: Desde Los Orígenes/Siglo XXI Editores/Madrid, 1972/p. 107.

(5 y 6) Ídem, p. 109.

(7) José María Caparrós Lera/100 Películas sobre Historia Contemporánea/Alianza Editorial/Madrid, 1994/p. 79.

(8) Ídem, p. 81.

(9) Ídem, p.123.

(10) Georges Sadoul/Historia del Cine Mundial: Desde Los Orígenes/Siglo XXI Editores/Madrid, 1972/p. 238.

(11) en.wikipedia.org/29 de marzo de 2006.

(12) Ibídem

(13) Ídem, 10 de abril de 2006.

+ Se le llamó así a las películas producidas por italianos y estadounidenses en los años sesenta y que centraban sus historias en las aventuras de “rudos” tipos del oeste.

(14)  Georges Sadoul/Historia del Cine Mundial: Desde Los Orígenes/Siglo XXI/Editores/Madrid, 1972/p. 528.

* Teoría propuesta por el filósofo y economista alemán Karl Marx, la cual abogaba por una mejor distribución de la riqueza, la abolición de la propiedad privada y el monopolio de los medios de producción. En su obra “El Capital”, enfatiza su crítica hacia el sistema económico capitalista (y su rápida expansión en el mundo), surgido en el siglo XIX como sustituto del feudalismo.

(15) El Vietcong era un grupo guerrillero surgido en 1960 y que luchaba contra Vietnam del Sur, que a su vez había conseguido el apoyo de EUA.  (Diccionario Enciclopédico Academia, 1997)

Bibliografía

Libros

Torres M., Augusto. El Cine Norteamericano en 120 Películas, Alianza Editorial, Madrid, 1994.

Rollins C., Meter. Hollywood as Historian, The University Press of Kentucky, Lexington, 1998.

Caparrós Lera, José María.100 Películas Sobre Historia Contemporánea, Alian-

za Editorial, Madrid, 1997.

Sadoul, Georges, Historia del Cine Mundial. Desde los Orígenes, Siglo XXI Editores, Madrid, 1972.

Internet

-www.us.imdb.net/febrero de 2006

-www.allmovie.com/febrero de 2006

– en.wikipedia.org/29 de marzo de 2006/10 de abril de 2006

Filmes

-Fleming, Victor/Gone With The Wind/USA, 1939.

-Leone, Sergio/ IL Buono, IL Bruto, IL Cattivo/Italia-España, 1966.

-Stone, Oliver/Platoon/USA, 1986.

Escrito por Israel Nungaray González en abril de 2006.

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